Kim In Kyum’s works can be aptly summarized with the keywords of ‘space’, ‘thought’, and ‘spirituality’. Following one of the earliest works, Revelational Space, the series of Emptiness, Project, and Space-Less all show his obsession with the concepts of ‘space’ and ‘thought’. Project 21- Natural Net which the artist exhibited at the Korean pavilion at the Venice Biennale in 1995 is a site-specific installation that reflects the spatial character of the circular exhibition space of the national pavilion. This work is conceptually connected to Project – The Walls of Thought which filled the entire space of Arko Art Center (formerly known as the Korean Culture and Art Foundation, Art Center, Seoul) with rusty steel structure to turn it into a field of thoughts. The circular structure of the exhibition space at the Korean pavilion is connected to the second floor with a spiral staircase at the center. The outer wall surrounded by glass leaves the space fully exposed to natural light, posing a great challenge to the artist who is used to the completely different white cube exhibition space. The artist implemented acrylic board plates and water that responds well to the natural light instead of his signature materials of bronze, stones, or wood. This allowed the artist to invite the special circumstance of the exhibition space as part of his works. Surrounding the spiral staircase with translucent acrylic boards in blue-violet and placing transparent acrylic structures filled with water and an air pump, Project 21 – Natural Net creates a dynamic space that shines differently according to the weather and the change in natural light at Giardini, Venice. The visitors, following the spiral staircase, will meet themselves on computer screens, captured in the security footage through cameras on the first floor. The communication between the visitors and the high-tech devices, video and sound, natural water and artificial structure, resonates with the theme of the 46th Venice Biennale of ‘Identity and Alterity’.

 The sense of space and aesthetics that the layers of translucent acrylic boards create foretells the advent of sculpture and painting works of the Space-less series that blurs the distinction between two-dimension and three-dimension. Answering the invitation to the Centre Pompidou residency program in 1996, the artist began using paper as his main material during his stay in Paris. The relatively easy plasticity of paper provided an opportunity to explore various formal possibilities and gave birth to drawing works that employed squeeze, sponge and Korean ink, and Western inks. The reasons for his use of squeeze in lieu of conventional brushes can be found in the layers of wide squeeze surfaces that allowed the artist to expand his original interests through the unique form and spatiality of the squeeze. As such, the artist’s squeeze painting works serve as a passage connecting the works before and after his Paris stay, and the realization and interpretation of the three-dimension via two-dimension results in calling the sculptures of the Space-Less series ‘Image-Sculpture’. In particular, we may note that the artist used the title Dessin de Sculpture for his drawings and paper works in the mid-1990s. In French grammar, de carries a sense of apposition, meaning that Dessin de Sculpture can be understood as dessin that is sculpture or sculpture that is dessin. From this point onward, drawing and sculpting became one to the artist. In this exhibition, we can examine the essence that penetrates the artistic world of Kim In Kyum with the video filmed at the Korean pavilion exhibition in 1995, the Dessin de Sculpture series produced since he started staying in Paris in 1996, and the sculptures that sought to realize the three-dimension through two-dimension. 

​

​

  김인겸의 작업은 ‘공간’, ‘사유’ ‘정신성’이라는 키워드로 살펴볼 수 있다. 초기작에 해당하는 <묵시공간 Revelational Space>에 이어 <빈 공간 Emptiness>, <프로젝트 Project>, <스페이스리스 Space-Less> 시리즈 모두 ‘공간’과 ‘사유’에 대한 집요한 관심을 드러낸다. 이들 시리즈 중 베니스 비엔날레 한국관에서 선보였던 <프로젝트21-내추럴 네트 Project 21-Natural Net>(1995)는 한국관 원형 전시장의 공간적 특성을 반영한 장소-특정적 설치 작업이다. 이는 1992년 미술회관 전시장 (현 아르코 미술관) 전체를 녹슨 철판 구조물로 채워 사고(thought)의 장으로 만들었던 설치작업 <프로젝트-사고의 벽 Project-The Walls of Thought>과 개념적으로 연결된다. 한국관 원형 전시장은 중앙부 나선형 계단을 통해 2층으로 이어지며 둥글게 유리로 둘러싸인 외벽으로 인해 사방이 자연광에 그대로 노출됨으로써 화이트큐브 전시장과는 완전히 다른 조건으로 작가에게 상당한 도전을 요한다. 작가는 기존에 사용하던 브론즈, 돌, 나무 등의 재료에서 벗어나 자연광에 자연스럽게 반응하는 아크릴 판재, 물을 도입함으로써 전시장의 특수한 상황을 작품의 일부로 끌어들인다. 반투명한 청보라 빛 아크릴 판재로 중앙 계단을 다각형 형태로 겹겹이 둘러싸고 그 중간중간에 물을 채워 에어펌프를 설치한 투명 아크릴 구조물을 배치하여 물방울의 움직임과 소리가 형성되게 구성한 <프로젝트21-내추럴 네트>는 베니스 자르디니의 날씨 및 빛의 변화에 미묘한 차이로 반짝인다. 중앙 계단을 따라 올라간 관람객은 1층 CCTV로 촬영된 자신의 모습을 2층에 층층이 쌓인 컴퓨터 모니터를 통해 만나게 된다. 인공적 구조물, 자연의 물, 영상과 소리, 하이테크 기기의 만남과 관객과의 교통을 통해 “동질성과 이질성”이라는 제46회 베니스 비엔날레 주제와 공명한다. 

 

  아크릴 판의 반투명한 면의 중첩이 이뤄내는 공간감 및 미감은 이후 입체와 평면을 오가며 둘의 구분을 무색하게 하는 <스페이스리스> 조각과 페인팅 작업을 예견한다. 1996년 파리 퐁피두 센터의 초대로 도불한 작가는 종이를 주요 매체로 사용하게 된다. 비교적 다루기 용이한 종이의 가소성은 다양한 조형의 가능성을 타진해 볼 수 있는 기회가 되었고 이 가운데 스퀴즈, 스펀지와 먹, 잉크를 이용한 드로잉 작업이 나오게 된다. 통상 사용되는 붓이 아닌 스퀴즈를 이용한 데는 넓은 스퀴즈 면들의 중첩이 형성하는 특유의 형태와 공간감을 통해 작가의 기존 관심사를 확장시킬 수 있었기 때문이다. 스퀴즈 페인팅 작업은 도불 이전과 이후의 작업을 이어주는 통로 역할을 하며, 평면을 통한 입체의 구현과 해석은 후기 시리즈 <스페이스리스> 조각을 이미지-스컬프처 (Image-Sculpture)라 칭하게 되는 것으로 귀결된다. 특히 1990년대 중반 드로잉 및 종이 작업에 대해 “Dessin de Sculpture” (데생 드 스컬프쳐)라는 제목을 사용하고 있는 것에 주목할 만하다. 동격의 의미를 갖는 프랑스어 ‘de’에 따라 “Dessin de Sculpture”의 의미는 “조각인 데생(그림)”이자 “데생(그림)인 조각”으로 생각할 수 있다. 이때부터 작가에게 그린다는 것과 조각 행위는 동격이 된다. 본 전시에서는 1995년 베니스 비엔날레 한국관 출품 당시 촬영한 영상, 1996년 도불 직후부터 제작한 “데생 드 스컬프쳐” 시리즈, 면을 통해 입체를 구현한 조각 등이 전시되어 긴 시간의 흐름 속에 이어지는 작품의 핵심 키워드들을 관통해 볼 수 있을 것이다.