top of page


2012.5.4 - 2012.5.7


Exhibition Name  SOAF2012 (SEOUL OPEN ART FAIR 2012)

Date  May 4 - 7, 2012

Hours  May 4 (Fri) - 6 (Sun) 11a.m - 7p.m / May 7 (Mon) 11a.m - 5p.m

Venue  COEX 1F, Hall B, Samsungdong, Seoul

Ticket Price  Adult: 10,000 (Won), Student/Group: 8,000 (Won)

Press/Preview  May 3 (Thur), 2012 3p.m

Opening Ceremony  May 3 (Thur), 2012 5p.m

Category  Painting, Sculpture, Photograph, Media Art, Print, Media, etc

Organizer  Seoul Open Art Fair Ltd. 

Gallery YEH Booth No. G69

행사명 제 7회 서울오픈아트페어
행사기간 2012. 5. 4 (금) - 5. 7 (월)
관람시간 2012. 5. 4 (금) - 5. 6 (일) 11am - 7pm
           2012. 5. 7 (월) 11am - 5pm
개최장소 삼성동 무역센터 코엑스 1층 Hall B
입장료 성인 10,000원 / 학생 및 단체 8,000원
주최/주관 (주)서울오픈아트페어

예화랑 Booth No. G69


Representing Artists 

Koo Seongyoun (b.1969)
Koo Seongyoun is renowned for her still life photography reorganizing her imagination with objects in our ordinary life. Her ‘Peony’ reborn as sweet candies of different shapes and colors will attract audience’s attention. Her photography is beloved by many through various art fairs and art galleries in and out of Korea. In her most recent series on candies that began in 2009, she first took the image of Paeonia, one of the popular subject matters in traditional painting for Paeonia often symbolizes feminine virtue and gracefulness, no less without the hope for materialistic prosperity. In Korean tradition,  Paeonia was usually given by a mother to daughter to show mother’s ever-lasting love toward daughter. But Koo’s contemporary interpretation of Paeonia photographs comprised of candies full of sugars and sometimes artificial coloring may seem to pose questions about mother’s dream throughout generations as mother’s hope as rendered in Paeonia might be as fragile as candies and pop corns, particularly under Confucianism.  

Wonsook Kim (b.1953)
After attending Hong-Ik University for 2 years, Wonsook Kim went to the U.S. to attend and graduate the University of Illinois. Her paintings suggest intimacy, simplicity, and secrecy as if writing a diary or soliloquy. Due to this simplistic nature, complexity and pedantic elements of contemporary arts cannot be found in her works. Rather, her own experience of love is portrayed in her works in this exhibition, poetically embodying love like a fairytale. The artist’s vision of happiness is depicted in her small canvases, fully representing sense of nostalgia as well as love and lingering imagery. Her sophisticated style in communion with seemingly insignificant daily subject matters will be a unique and touching experience.

Chonghak Kim (b.1937)
Kim Chonghak is the forerunner of contemporary Korean art. Focusing on depicting the landscapes of Sul-Ak Mountain, Kim Chonghak offers us in this exhibition the mountain’s scenery in all four seasons of a year.  His paintings can be characterized as “abstract-conception.” The portrayals of grass, rocks and trees are recognizable in their forms, but the absence of details on the other side strongly implies the abstract nature of his works. Although his paintings are stylistically western, the nonexistence of perspective resembles folk arts. Kim Chonghak has been painting the Sul-Ak Mountain for over 20 years, depicting landscape, bugs, waterfalls, and flowers with primal and vivid colors. He is called the “the painter of Sul-Ak” because he paints the mountain as he sees it, not as how everyone sees it. In other words, he paints the subject in his impression and perception, expressing his inner-self though the paintings. As exemplified in his notion of a painter as one who paints to free himself, Kim Chonghak presents vibrant, liberating, and dynamic art pieces. His love of nature can also be found in his personal collection of traditional wooden furniture. 

Park Kwangsung (b.1962) 
“To have and To be – Between” by Park Kwangsung
I do not paint to convey my stories but paint for communication with the world. The public want artists to represent issues and messages in an interesting manner. Artists work to meet public demand, exquisitely representing such things. Artists seriously consider Jean Paul Sartre’s existentialism, or praise Immanuel Kant’s decadence, advocating humanistic, liberal artistic thinking. 
My 2011 solo show in Germany was a turning point. The title was To have and to be – between. Here, ‘between’ means ‘emotion’, connoting ‘free will’. The black of a landscape is depicted like a background in a romanticist painting. A face with the closed eyes is portrayed with the face with open eyes. The body is also depicted as a background with a landscape. Focusing on visible elements in 21st century painting, my work regards romantic emotion of the mid-18th century. 
With my free will as light as feather I say, "My painting is more beautiful than my life!”
(Jan. 2012)

Im Changwook (b.1984) 

Zu Doyang (b.1976)
Zu’s photographs present the world in a two-dimensional circle. He gets many photographic images through a 360-degree revolution of the camera, and combines and composes them into one photo. His photographs look like a distortion of the real. He unfolds a strange world distant from the reality he began with. However, his photographs make us realize that his multi-faceted imagery is a realistic appearance of reality. 
 He photographs familiar urban scenes which have little significance, but the position the subject views them from is confusing. In his work the subject does not see the world: to the contrary, the object or the world sees the subject, taking photographs. His photographs implicitly incapacitate the artist’s subjective position of controlling a work and dominating the world. 

Choi Insun (b.1964)
What Choi attempted to explore during the ‘ Period of properties’ and ‘Period of Signs’ was to inquire him of the painterly terms as materials and the painterly terms as icons / letters. The former inquiry had an emphasis on determining the boundary of painting itself by defining the material limit of a plane, whereas the latter had an intent of redefining painting among ‘ the others’ Which was a departure from the boundary of materials. Having the first inquiry as his starting point and the latter as his first turning-point, Choi has come to this present point. The essence of his two previous was in defining the boundaries of the ‘inside’ and the ‘outside’ of paintings respectively.

Arman (1928-2005)

Jude Tallichet (b.1954) 
Jude Tallichet lives and works in Queens, NY. She is represented by Sara Meltzer Gallery in New York City, where she has had six solo exhibitions since 2000 .She has exhibited nationally and internationally in venues such as the Konsthallen in Gothenburg, Sweden, The Shanghai Biennial in China, The Busan Biennial in Korea, The Tirana Biennial in Albania, the “Officina America” exhibition in Bologna, Italy, and at Periogi Gallery in Liepzig, Germany. She participated in the inaugural Greater New York Show at PS1 MOMA, the “Treble” exhibition at Sculpture Center, and the “Brooklyn Next” exhibition at the Brooklyn Museum of Art. ?She has had solo shows at the Santa Barbara Contemporary Arts Forum and the Burnet Gallery in Minneapolis, Minnesota. She was a featured performer in the Iron Artist Event at PS 1 MOMA, organized by Cabinet Magazine. Jude spent a year in Brazil as a Senior Fullbright Fellow in 1996 and has received fellowship grants in sculpture from the National Endowment for the Arts (1990) and from the New York Foundation for the Arts. (2001) She has received residencies at the MacDowell Colony, the Millay Colony and at the Civitella Ranieri Center in Umbertide, Italy. She is Professor and chair of the Sculpture Department at the Tyler School of Art, where she has taught since 1987. Jude was a founding member of the rock band Ultra Vulva and has collaborated on video and performance projects with a diverse collection of artists and musicians, including Jeanine Antoni, Kristin Lucas, Doug Henderson, John Harbison and Henry Threadgill.

Mark Khaisman (b. 1958)
The work of art in relation to its context has become a subject of interest for me. In my “Patterns” series, I am exploring the emotional and intellectual perception of ages taken out of context and then placed in direct relation to its original context. I am creating beautiful patterns out of photographs of disasters and tragedies, natural and handmade. Without revealing the course of the images, the viewer is enjoying intricate ornaments. Revealing the image's source adds to this pleasurable emotion other turbulent emotions: confusion and disturbance.

Paul Rousso (b.1958)
'Soon there will be no new magazines, no newspapers, no new books, everyone will have their reader, iPad etc., to which they can download whatever they want, whenever they want, where ever they are. The last paper and ink to go away will likely be our paper currency. Perhaps the audience for my work is only just being born.'
Pop culture and its inherent, conflicting sensibilities takes on hyper-size in Paul Rousso's 'document' works. Reaching dimensions of up to 4 by 5 feet, Rousso plays on the ironic act of 'discarding' elements such as money and magazine pages; their disheveled appearances belie their significance in the world at large, yet they are somehow perceived as less important thanks to a simple, effortless gesture. For all of the production value and manpower that is exerted in creating dollar bills and glossy magazine folds, Rousso's satire lies in inflating their size to inescapable proportions while maintaining their 'used' states. Use implies the object becoming useless, while the 'new' is a fantasy.
Paul Rousso began his studies at the Cleveland Institute of Art and went on to receive his BFA from the California College of Arts & Crafts in 1981. Rousso's practical experience in visual art was kick-started with stints as an Art Director and freelance illustrator for Revlon, Clairol, Condé Nast and Bloomingdale's. He was commissioned as part of an interior designer team for the home of Robert De Niro and The El Morocco. He was commissioned for a special project for the Time Warner Cable Arena in Charlotte. His work has been exhibited in galleries in Atlanta, Charlotte, Los Angeles, New Orleans and Miami. Rousso lives and works in Charlotte. 

[Artist Statement] The Object as Paint

To me it seems quite logical that eventually in the progression of art, someone would do away with the illusion of three-dimensional space and paint the mountain in the background exactly as the tree in the foreground. Cezanne's work at the time was quite shocking for the viewer of his art, as they had never seen anything like it before.
This is what I refer to as the “flattening”.  For me, this is why Cezanne has been called the father of modern art. He painted his landscapes and still-lives as if everything was on the surface of the canvas. A more truthful expression of the subject matter as the surface of the canvas is two-dimensional.
Logically Matisse came along and then Braque and Picasso.
Certainly a lot can be said about these artists, their work and who they influenced, but suffice it to say, the “flattening” continued on in earnest.
This art begat that, and that art begat this.
And in response they did this,which influenced that,etc., so on and so forth.
20th century painting is replete with examples of this underlying concept. Many new things started to happen in art exponentially, abstraction came along in all of its many forms, as did so many other directions in art.
Another common theme that I believe ties all this figurative work together is that the artist is doing a painting of something.
If the artist is not doing a painting of something that is in and of our world it is very likely that this painting is an abstract painting.
It is unto its self, its own image, not of anything other than what the artist created.
These are the two sides of the coin in painting. The figurative and the abstract.
There are many shades from one end of the spectrum to the other, but everything has an opposite.
I have always searched for what would be the appropriate and direct response to 20th century painting.
How could one respond to the “flattening” and somehow invert it the way, for instance, cubism inverted the realism that came before it?
My work is about finding what comes next.
I started with a “still life of the Bible”.
I applied/sculpted each page in order, from the first page to the last, onto a thirty by eighty inch wood panel.
It isn’t of the Bible. It is the Bible;
it is, the perfect still life.
The medium and the subject have become one.
The three dimensional object was applied in order and completely intact, two dimensionally.
It is total realism and total abstraction.
After a year of thinking about it, I began producing one after the other.
The selection process is ever changing but as of late, the most intense part of the process.
After “choosing” the Bible I stopped thinking and just did what ever fell in front of me. I would get up from the table after reading my Sunday Times and "do it." Someone would hand me a magazine and I would "do it." A friend one day handed me a book about one of my favourite artists. You get the picture. Soon, that serendipitous method gave way to recognizing what would look fabulous, which than gave way to what would be personally hard for me to part with. Things, for one reason or another, I have schlepped around for as much as thirty years.
All of these important documents to me for one reason or another were now the subject of most of my new work; it was a lot of paper and ink.
My latest works involve any and all documents. They are created ascetically and without regard to specific documents. The subject is the paper,
and the paper is the paint. I always felt it was more like painting than doing a collage. Different papers and inks do different things, and in that I have found a new language. My voice as it were. 
That which brought us out of the dark ages, the printed word, which also began with the Bible on Guttenberg’s press is definitely in its final death knell. After hundreds of years of the printed word, ink on paper, is on it’s way out.
Soon there will be no new magazines, no newspapers, no new books, everyone will have their reader, I-pad etc., to which they can download whatever they want, whenever they want, where ever they are. The last paper and ink to go away will likely be our paper currency.
Perhaps the audience for my work is only just being born.

Paul Rousso 2011

예화랑 참여작가

구성연 (b.1969)
구성연은 사탕을 소재로 아주 묘한 느낌의 ‘모란꽃’을 사진으로 재현한다. 우리민화의 ‘모란도’에서 모티프를 가져온 이번 작업은 형형색색의 달콤한 사탕이 그녀의 손작업을 거처 ‘상상세계의 모란꽃’으로 변한다. 그리고 다시 사진작업을 통해서 완성된 이미지는 민화의 모란도 병풍 한 폭으로 바뀐다. 미학자 강수미는 그녀의 사진 효과에 대해 “과잉된 ‘예술적 그 제스처’에 의해 전통의 상징적 기표를 차용 모방하여 자신이 표출하려는 다른 개념들을 표출시켜 낸다”고 평한다. 사탕과 꽃은 특유의 황홀함이 있다. 피어있는 동안은 눈부시고 아름답지만 이내 지고 나면 자취도 없다. 사탕 역시 달콤하지만 결국 혀끝에서 녹아 없어진다. 욕망이 인간을 살아가게 하듯 황홀함과 달콤함은 현대인들의 욕망 표상이다. 화려함과 달콤함으로 유혹하는 ‘모란’과 ‘사탕’은 상호연상 작용을 일어켜, 시대 산물이며 일상적 사물인 사탕 꽃이 새로운 의미체계로 구성, 우리시대 욕망적 기호이미지로 재구성 되었다. 작가는 ‘사탕’의 본질변형과 ‘모란’의 전통적 상징성을 전복시켜 그만의 방식으로 소재와 주제성을 가지고 우리들의 관심을 이끌고 있다. 

김원숙 (b.1953)
홍대 재학 중 도미, 미국 일리노이 주립대학교와 대학원을 마쳤다. 1976년 명동화랑에서 첫 개인전을 가진 이후 한국, 미국, 일본 등지에서 30여 차례의 개인전과 수십회의 기획전 및 초대전을 가졌다. 스타인 미술상 (75)을 수상했고 유엔선정 "올해의 예술가"(95)에 뽑히기도 했으며 작품으로 '침묵' '골드트리' '보름달 여인 판화' '우리가 얼굴을 가지게 될 때까지 연작' '지팡이를 짚은 남자 연작' 등이 있다. 재미화가 김원숙의 그림들은 단순하면서도 은밀한 얘기들을 담고 있다. 그리 예사롭지만은 않은 그의 삶 속에서 경험하며 상상하는 세계를 그는 마치 일기를 쓰듯 담백하게 독백하듯 때로는 신화를 빌어 화폭에 혹은 상자패널에 그려내고 있다. 그러한 그에게 난해한 추상이론이나 유행하듯 번지고 있는 포스트모더니즘의 거대한 담론이나 이슈들은 자리 잡을 틈이 없다. 매끄럽게 흐르듯 유동적인 필법과 윤색 있는 원색조의 그의 그림양식은 마치 동화의 그것같이 치밀한 계산이나 의도가 들어 있지 않고 누구에게나 쉽게 그리고 직접적으로 와 닿는다. 

김종학 (b.1937)

김종학의 설악 풍경 그림은 미술의 다양한 전통이 복합되어 나타난 이른바 잡종강세(籍種强勢)적 그림이다. 과거의 미덕이 오늘의 새로운 의미로 탄생하고 있다는 점에서 그렇다. 소나무 그림은 조선시대의 화가들이 즐겨 그렸던 전통을 잘 재현하고 있다. 설악의 설경을 배경으로 독절하게 서 있는 고송(古松)은 추사의 세한도(歲寒圖)를 연상시킨다. 「날이 차진 뒤에야 비로소 소나무, 잣나무가 제일 늦게 낙엽 지는 나무임을 알겠다」는 공자 말씀을 화제(畵題로 적었던 추사처럼, 늘 푸른 소나무의 미덕을 통해 긴 좌절 끝에 늦게사 자신의 화풍을 제대로 세웠다는 김종학의 의욕이 그의 그림에 비치는 듯싶다. 김종학의 초화(草花)그림은 화려한 색상이며 자유분방함이 우리 민화나 조각보의 그림 수(練) 전통을 연상시킨다. 풀벌레, 산새도 함께 어우러져 현란하기 그지없다.

박광성 (b.1962)

박광성은 프랑스의 권위있는 공모전인 살롱 드 몽후즈에서 그랑프리를 수상, 주목을 끈 작가. 43년의 역사를 자랑하는 몽후즈는 회화, 조각, 드로잉, 사진등의 부문으로 진행되는데 국내 작가가 그랑프리를 차지한 것은 박광성 작가가 처음이다. 캔버스위에 오일페인팅으로 이뤄진 그의 회화는 다른 유화와 구별되는 독특한 화면을 갖는다. 우선 그의 작품은 사진과 그림을 접목시킨 것처럼 보인다. 오일페인팅 특유의 두텁고 윤기도는 마티에르는 찾아볼 수 없고 대신 검은색 바탕위에 인물, 정물, 공간의 이미지가 떠있다. 일반 유화와 다른 투명한 화면은 베르니라는 재료로 인한 것이다. 베르니는 농담조절이 까다롭고 마르는데도 시간이 오래 걸려 국내 작가들은 거의 사용하지 않는다. 검정색을 칠한후 마르기전에 다시 검정과 흰색을 섞어 거듭 칠한 화면은 베르니의 작용으로 깊이있는 색감, 색의 콘트라스트, 투명성이 두드러진다. 작품은 금방이라도 소나기가 퍼부을 것 같은 시커먼 하늘과 구름, 누드, 인물의 이미지로 이뤄져 있다. 그중 신체의 얼굴부분은 사진같고 목아래는 그림으로 이뤄져 있는 작품이 눈길을 끈다. 이처럼 사실적 이미지와 그림의 혼합은 현존과 추억, 현실과 환영사이를 넘나드는듯한 효과를 불러온다.  

임창욱 (b.1984) 
임창욱의 「Deco-series」는 우리 주위에 난무하는 위장된 이미지, 즉 누군가에 의해 선택되어진 인터넷 이미지들 중 회의적인 시각을 야기하는 이미지를 작업의 대상으로 선택한 것이다. 그리고 그것을 '추상'의 방법으로 접근하고자 한다. 이는 현실공간 속에서 한 평면위에 재조합 또는 변형의 과정을 거치면서 인터넷 세계의 구성방식을 재연하려는 형식을 띠고 있는데, 이와 같은 시도는 다시 하나의 사건으로 재탄생하여 다른 리얼리티를 구성하지만 사실 이것 또한 다시 구성된 하나의 장식에 불과하다는 것을 보여주는 것이다. 이는 차가운 표면 위에 현실이라는 가면을 쓰고 재현된 이미지가 사실은 인터넷 사용자들에 의해 'decoration'된 가상이라는 인터넷 공간자체가 지닌 존재의 모순을 이야기 하려는 것이다. 이번 전시 『Born to None』은 '존재하지 않는 것으로 부터의 탄생', '존재하지 않는 것으로의 탄생' 이렇게 두 가지 의미를 담고 있다. 나에 의해 생성된 「Deco-series」는 실재와 가상이미지 사이의 관계성만을 보여줄 뿐 어디에도 없는 본질과의 싸움인 것이다



주도양 (b.1976)

주도양의 작업들은 데이비드 호크니 방식의 사진설치나 모자이크처럼 현실을 해체하고 재구축 한다는 점에서 이념적 공통성이 있지만 표현 방법은 큰 차이를 보여준다. 그가 작품을 통해서 제시한 방법은 해체된 현실을 하나의 공간 속에서 다면 원근법을 이용하여 통일적으로 재구성하는 것이다. 따라서 이것은 사실과 허구의 문제가 아니라 작가의 체험을 바탕으로 한 소설이 허구 형식을 빌려 작가의 예술적 진술을 말하듯, 현실 세계 속에서는 있을 수 없는 하나의 가상공간을 설정하고 그가 본 시각적 체험을 그 공간 속에서 집적하여 보여주는 방법을 택하고 있는 것이다. 그의 사진기는 수많은 겹눈으로 된 잠자리의 눈이요, 파리, 메뚜기의 눈이다.


최인선 (b.1964)

최인선은 물질이 가지고 있는 자연성, 물질과 인간이 만나서 형성되어진 흔적 그리고 작가의도를 통해 존재론적 의미와 예술성의 접목을 보여주고자 한다. 최인선의 숙련된 솜씨는 필연을 만들어내며 생생한 날것의 오브제는 우연이라는 인과법칙을 만들어낸다. 그가 자유자재로 사용하는 사물과 그림들은 회화의 공간 안에서, 화면을 뛰어넘어 공간조차도 운용하는 놀이를 기술한 것이다. 그리고 전혀 다른 질서에 속하는 영적, 종교적, 사회적, 문화적 사건과 물질성사이의 관계들을 화가의 눈으로 발견하고 그려내며 조합해 세계 존재의 비밀을 풀어내고 있다. 작가 최인선은 1964년 생으로홍익대 미대 회화과 및 同 대학원 수학 후 미국으로 건너가 뉴욕주립대학교를 졸업 한 작가는 ’92년 중앙미술대전 대상, ’94년 국전 우수상, ’96년 한국일보 청년작가전 대상, 2002년 문화관광부 장관상, 2003년 하종현 미술상 등을 수상한 한국화단에서 실력있는 작가로 인정 받고있다. 끊임없이 연구하는 자세로 변화의 속도를 늦추지 않는 그의 작품세계는 진정 노력하고 반성하는 작가임이 틀림이 없다. 제1기(1989-1995):물성의 시대, 제2기(1996년-2002년):기호의 시대, 제3기는 현재 진행중인 이 작품들과 연장선에 있는 유화작업들이다. 이 작품은 활기에 가득찬 화면위로 개체의 성격에서 해방 또는 구성되고 자유롭게 조합되어진 붓의 질감들로 캔버스 화면위를 가득 메우고 있다. 이 세상에 존재하고 있지만 아직 발견되지 않은 미지의 희망, 꿈을 표현한 것이며 무엇보다 세련된 색채의 향연이 두드러지는 작품이다.

아르망 (1928-2005)
1928년 프랑스의 니스에서 태어나 지난 2005년 10월 뉴욕에서 작고하신 아르망 (향년 76세)은 1960년대 이후 유럽과 미국을 중심으로 세계적으로 확산된 신사실주의 예술운동인 누보레알리슴 (Nouveau Realism)의 창립자로도 유명하다. 현대 산업사회에서 생산되고 소비되어지는 재료들을 이용하여 절단하거나 모아서 집적하거나 태우는 기법으로 새롭게 재창조되어진 그의 작품들은 소비문명에 대한 반문명적 불합리성을 상징적으로 보여주고 있다. 아르망은 작가로서 프랑스를 대표하여 바젤 아트 페어, 베니스 비엔날레와 같은 세계적인 아트페어에 참가하였고, 450여회 이상의 개인전과 그보다 더 많은 그룹전이 국제적으로 개최되었다. 그의 대규모의 조각품들은 1982년 까르띠에 재단에 설치된 장기 주차(Long Term Parking)을 비롯하여 1984년 프랑스 대통령으로부터 엘리제 궁에 조각품 제작의뢰를 받아 공화국(A La Republique)을 제작하였고, 영원한 보관소 (Consigne a Vie)와 모두의 시간 (L'heure de Tout) 등의 작품은 생-라자르 역에 설치되어 있다. 아르망의 작품들은 전 세계의 박물관및 미술관, 개인 소장가 들에게 많은 사랑을 받고있다. 이러한 업적을 인정받아 아르망은 프랑스 대통령으로부터 프랑스 레종 도뇌르 명예훈장을 두 차례나 수상한바 있다. 

쥬드 탈리쉐 (b.1954)
쥬드 탈리쉐는 2000년 뉴욕인들의 기억에 아직도 생생한 브룩클린 다저스의 건물 잔해 한 부분을 새로 본 따서 만든 작품을 뉴욕 메트로 센터에 설치하기도 하였다.  비록 사라졌지만 지속적으로 사용되고 사랑 받는 것들을 주물로 뜨거나 재구축하는 탈리쉐의 작업은 비엔나 유태인 학살 기념관으로 유명한 영국의 레이철 화이트리드의 작품을 연상시킨다.  케이크, 머핀, 이탈리안 빵, 와인병 등도 '기억', '시간의 흐름',  그리고 '사라짐' 의 탈리쉐적인 테마를 잘 전달해 주고 있다.   탈리쉐는 브룩클린 메트로 센터 공공 작업 이외에 뉴욕 정부 기관에서 수여하는 조각 부문 NYFA 기금의 수상자이며 여러 차례 공공 미술 작업에 참여해 오고 있다.

bottom of page